Diese Unterrichtsreihe erschließt die politische, kulturelle und gesellschaftliche Entwicklung des Osmanischen Reiches – mit Fokus auf Rezeption und Wirkung bis in die Gegenwart. Die Unterrichtsreihe „Osmanisches Reich“ bietet Schülerinnen und Schülern der Sekundarstufe II einen strukturierten Überblick über Aufstieg, Blütezeit und Niedergang einer der bedeutendsten Reiche der Geschichte. Dabei stehen nicht nur politische Machtstrukturen im Zentrum, sondern auch religiöse Vielfalt, Alltagsleben, Architektur und Repräsentation. Inhaltliche Schwerpunkte sind u. a.: die Herrschaft der Sultane, das System der Janitscharen, die Rolle von Istanbul als multikulturelle Metropole, die Beziehungen zu europäischen Mächten und die komplexe Nachwirkung des Osmanischen Reiches auf die heutige Türkei und den Nahen Osten. Methodisch vielfältige Aufgaben (Quellenarbeit, Bildanalysen, Kartenstudien, multiperspektivische Vergleiche) regen zur kritischen Auseinandersetzung an. Reflexionsaufgaben stellen Bezüge zur Gegenwart her – etwa bei Debatten um das Erbe des Islams in Europa, über Migration oder postkoloniale Diskurse. Die 39-seitige Unterrichtsreihe eignet sich für den Geschichtsunterricht, aber auch zur Anbindung an Politik, Religion oder Ethik. Sie fördert das historische Urteilsvermögen und interkulturelle Kompetenz.

Diese Unterrichtsreihe vermittelt umfassendes Wissen zu Kunststoffen – von ihrer molekularen Struktur bis zu ökologischen Herausforderungen. Mit Aufgaben, Experimenten und Bewertungsperspektiven. Die 46-seitige Unterrichtsreihe „Kunststoffe im Unterricht“ bietet einen fundierten Zugang zu einem der wichtigsten Werkstoffe der modernen Gesellschaft. Sie richtet sich an die Sekundarstufe II und vermittelt sowohl chemische Grundlagen (Monomere, Polymerisation, Thermoplaste, Duroplaste, Elastomere) als auch ökologische und gesellschaftliche Implikationen. Die Schülerinnen und Schüler analysieren den Aufbau und die Eigenschaften von Kunststoffen, untersuchen deren Herstellung durch Polymerisation, Polykondensation und Polyaddition und differenzieren nach molekularer Struktur und Verwendungszweck. Durch praktische Versuche – etwa zur Thermoplastizität oder Dichtebestimmung – gewinnen sie experimentelle Erfahrung. Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf der Umweltproblematik: Mikroplastik, Recycling, Kunststoffmüll in Ozeanen und biobasierte Alternativen werden behandelt. In Bewertungsaufgaben diskutieren die Lernenden die Verantwortung von Industrie und Konsumenten im Umgang mit Kunststoffen. Die Materialien sind didaktisch vielseitig aufgebaut: Arbeitsblätter, Versuchsprotokolle, Textanalysen, Fallbeispiele und Aufgaben zur Bewertungskompetenz ermöglichen eine differenzierte Unterrichtsgestaltung. Ideal geeignet für Chemieunterricht, BNE-Schwerpunkte und fächerübergreifende Projekte.

Diese Unterrichtsreihe erschließt textile Techniken wie Weben, Nähen oder Applizieren als künstlerisches Ausdrucksmittel – mit Fokus auf Material, Textur und Gestaltungskonzepten. In der Unterrichtsreihe „Textiles Gestalten“ entdecken Schülerinnen und Schüler der Sekundarstufe I und II textile Techniken als eigenständige Form künstlerischen Ausdrucks. Ausgangspunkt ist das Erproben von Materialien und handwerklichen Verfahren – von klassischem Nähen über Stickerei, Weben und Batik bis hin zu experimentellen Kombinationen mit Papier, Draht oder Kunststoff. Die Lernenden setzen sich mit textilen Oberflächen, Strukturen und Reliefs auseinander, lernen Gestaltungsgesetze kennen (Rhythmus, Kontrast, Wiederholung) und setzen eigene Arbeiten konzeptuell um. Dabei entstehen sowohl abstrakte als auch figurative Arbeiten mit persönlichem oder gesellschaftlichem Bezug. Im kunsthistorischen Rückblick werden Beispiele aus Bauhaus, Arts and Crafts, zeitgenössischer Textilkunst oder Modegeschichte aufgegriffen. Ergänzt wird dies durch Reflexion über Nachhaltigkeit, Körperbezug, Genderfragen oder Upcycling. Die 38-seitige Unterrichtsreihe fördert Materialbewusstsein, feinmotorische Fähigkeiten und kreatives Denken. Sie eignet sich hervorragend für projektorientiertes Arbeiten, Ausstellungen oder Kooperationen mit Handwerk und Design.

Diese Unterrichtsreihe vermittelt fundierte Methoden zur Form- und Strukturanalyse in der Kunst – mit Bildanalysen, Gestaltungsaufgaben und reflektierenden Übungen. Die 44-seitige Unterrichtsreihe „Form- und Strukturanalyse im Kunstunterricht“ führt Schülerinnen und Schüler in zentrale Techniken der Bildanalyse ein. Im Fokus steht das genaue Sehen und Deuten von Komposition, Farbverwendung, Raumdarstellung, Linienführung und strukturellen Elementen innerhalb künstlerischer Werke. Anhand exemplarischer Bilder aus Malerei, Grafik, Fotografie und Digital Art entwickeln die Lernenden ihre visuelle Wahrnehmung sowie analytisches Sprachvermögen. Sie trainieren den differenzierten Umgang mit Fachbegriffen und wenden strukturierte Analysemethoden an – etwa die formale Bildbeschreibung, das Gestaltgesetzeschema oder das ikonologische Modell nach Panofsky. In produktionsorientierten Aufgaben übertragen die Schülerinnen und Schüler analysierte Strukturprinzipien auf eigene Arbeiten. So entsteht ein lebendiger Theorie-Praxis-Transfer, der künstlerische Urteilskraft, Kreativität und Reflexion miteinander verbindet.

Diese Unterrichtsreihe vermittelt den kreativen Umgang mit gebrauchsgrafischen Mitteln und fotografischen Ausdrucksformen – von Werbung bis Plakatkunst. Die Unterrichtsreihe „Gebrauchsgrafik & Fotografie“ bietet einen praxisnahen Zugang zu visueller Kommunikation im Spannungsfeld von Funktionalität und Kunst. Im Fokus stehen Plakatgestaltung, Layout, Typografie, Komposition und der gezielte Einsatz von Fotografie zur Bildaussage. Schülerinnen und Schüler analysieren historische und zeitgenössische Werbekampagnen, politische Plakate, Infografiken und künstlerische Collagen. Dabei reflektieren sie Gestaltungsprinzipien, visuelle Rhetorik und die Wirkung von Bild-Text-Kombinationen. In gestalterischen Aufgaben entwerfen die Lernenden eigene Kampagnen, Plakate oder Social-Media-Grafiken – analog oder digital. Dabei setzen sie sich mit gesellschaftlichen Themen auseinander und erproben die Wirkung ihrer gestalterischen Entscheidungen. Die 52-seitige Reihe stärkt medienästhetische Bildung, Kommunikationsfähigkeit und gestalterische Praxis – auch für die berufliche Orientierung im Bereich Design, Werbung oder digitale Medien.

Von Rembrandt bis Cindy Sherman: Diese Unterrichtsreihe untersucht Strategien der Selbstdarstellung in der Kunst – mit praktischen Aufgaben zur eigenen Bildinszenierung. Die Unterrichtsreihe „Selbstpräsentation in der Kunst“ thematisiert, wie Künstler sich selbst inszenieren, ihre Identität verhandeln oder bewusst Rollen spielen. Im Fokus stehen Werke von Rembrandt, Frida Kahlo, Egon Schiele, Cindy Sherman, Tracey Emin oder Instagram-Künstlern. Die Schülerinnen und Schüler analysieren Selbstbildnisse und Performances unter Aspekten wie Komposition, Symbolik, Körpersprache, Mimik und Kontext. Dabei wird reflektiert, wie sich die Darstellung des Selbst über Epochen, Medien und Gesellschaften hinweg gewandelt hat – von Repräsentation über Provokation bis zur digitalen Selbstoptimierung. In praktischen Aufgaben setzen sich die Lernenden selbst in Szene – mit Foto, Zeichnung, Collage oder digitalen Mitteln. Diese Selbstdarstellungen werden in Beziehung zu kunsthistorischen Beispielen gesetzt und kritisch besprochen. Die 47-seitige Reihe fördert ästhetisches Urteilsvermögen, Ausdrucksfähigkeit und persönliche Reflexion – auch im Hinblick auf soziale Medien und Bildpolitik.

Diese Unterrichtsreihe untersucht Fotografie als künstlerisches Medium – mit praktischen Bildgestaltungen, Analyse von Fotografenwerken und Reflexion über Bildwirkung. Die Unterrichtsreihe „Fotografie als Kunst“ vermittelt Schülerinnen und Schülern der Sek II die Grundlagen künstlerischer Fotografie, Bildanalyse und Bildgestaltung. Ausgangspunkt ist die Auseinandersetzung mit der Geschichte der Fotografie und der Entwicklung hin zur eigenständigen Kunstform. Zentrale Themen sind: Komposition, Licht, Schärfe, Perspektive, digitale Bearbeitung und Bildaussage. Die Lernenden analysieren ikonische Werke von Fotografen wie Cindy Sherman, Wolfgang Tillmans oder Andreas Gursky, erarbeiten sich Konzepte der Inszenierung und experimentieren mit eigenen Fotoreihen. Die 50-seitige Unterrichtsreihe fördert Medienkompetenz, gestalterisches Denken und die Fähigkeit zur Reflexion über visuelle Kommunikation in sozialen Medien, Werbung und Reportage. Neben Einzelarbeiten sind Gruppenprojekte, Präsentationen und Portfolios vorgesehen. Ziel ist die Förderung der Bildkompetenz und ein vertieftes Verständnis für künstlerische Strategien im Umgang mit Fotografie als Ausdrucksform im 21. Jahrhundert.

Diese kunsthistorisch fundierte Unterrichtsreihe erschließt die vielfältigen Ausprägungen des Stilllebens und analysiert Werke aus verschiedenen Epochen mit Blick auf Komposition, Symbolik und Technik. In dieser kunsthistorisch fundierten Unterrichtsreihe steht das Stillleben als eigenständige Bildgattung im Fokus. Die Lernenden entdecken seine Entwicklung vom floralen Prunkstück der Renaissance über die vanitasbeladenen Arrangements des Barocks bis hin zu experimentellen, fotografischen oder digitalen Interpretationen im 20. und 21. Jahrhundert. Neben der ikonografischen Analyse (Frucht, Schädel, Uhr, Glas etc.) liegt ein besonderes Augenmerk auf formalen Aspekten: Wie wirken Komposition, Lichtführung, Farbklima und Oberflächenstruktur auf die Rezeption? Welche Bedeutungsverschiebungen entstehen durch Materialwahl oder Kontextänderung? Die 46-seitige Reihe bietet zahlreiche Möglichkeiten zur gestalterischen Umsetzung: Schülerinnen und Schüler erstellen klassische Stilllebenzeichnungen, digitale Collagen, Mixed-Media-Arbeiten oder thematische Objektinszenierungen im Raum. Reflektiert werden dabei nicht nur technische Fertigkeiten, sondern auch die Wirkung, Intention und kulturelle Einbettung der jeweiligen Darstellung.

Proportion, Ausdruck, Anatomie: Diese Unterrichtsreihe zeigt anhand kunsthistorischer Werke, wie der menschliche Körper in der Kunst dargestellt und interpretiert wird. In der Unterrichtsreihe „Körper in der Kunst“ steht die Auseinandersetzung mit der Darstellung des menschlichen Körpers im Mittelpunkt – von idealisierten Formen der Antike bis hin zu expressiven Verfremdungen in der Gegenwartskunst. Die Schülerinnen und Schüler analysieren Werke verschiedenster Epochen im Hinblick auf Aufbau, Haltung, Dynamik, Symbolik und gesellschaftliche Ideale. Die Lernenden erarbeiten sich Grundlagenwissen zur menschlichen Anatomie sowie zu Proportionssystemen (z. B. Kanon des Polyklet oder der goldene Schnitt). Sie untersuchen, wie sich Bildmittel wie Licht, Farbe, Linie oder Komposition auf die Wirkung des Körpers auswirken. Ergänzt wird der analytische Zugang durch eigene praktische Gestaltungen, wie Zeichnungen, Skulpturen oder digitale Körperstudien. Die 47-seitige Reihe legt einen besonderen Schwerpunkt auf interkulturelle Vergleiche und die Reflexion von Körperbildern im Wandel – auch unter Genderaspekten, medialer Einflussnahme oder Körpernormen im digitalen Raum. Durch einen ästhetisch-forschenden Zugang lernen die Lernenden den Körper nicht nur als Motiv, sondern als Träger von Bedeutung, Emotion und gesellschaftlichem Diskurs zu begreifen.

Diese Unterrichtsreihe bietet einen fundierten Überblick über die Entwicklung des Utilitarismus – von Bentham bis Singer – und ermöglicht eine kritische Auseinandersetzung mit ethischen Positionen. Diese 47-seitige Unterrichtsreihe vermittelt grundlegende Kenntnisse über den Utilitarismus als bedeutende ethische Theorie. Sie beginnt mit Jeremy Benthams hedonistischem Prinzip des größtmöglichen Glücks der größtmöglichen Zahl und analysiert die Weiterentwicklung bei John Stuart Mill, der qualitative Unterschiede von Lust und eine stärkere Einbettung in gesellschaftliche Kontexte betont. Abschließend steht Peter Singer im Fokus, dessen Präferenzutilitarismus aktuelle bioethische Debatten beeinflusst. Neben der historischen Entwicklung legt die Unterrichtsreihe großen Wert auf die Anwendung des Utilitarismus auf aktuelle moralische Herausforderungen: Dürfen Tiere für den Menschen leiden? Wie wird Ressourcenverteilung in einer gerechten Gesellschaft gestaltet? Und wie kann eine utilitaristische Perspektive auf Klimaschutz oder Pandemiebekämpfung angewandt werden? Die Reihe kombiniert theoretische Textarbeit mit problemorientierten Fallanalysen, strukturierten Debatten und schriftlichen Reflexionsaufgaben. Die Schülerinnen und Schüler üben sich in ethischem Argumentieren, lernen Bewertungen methodisch zu begründen und entwickeln ein Verständnis für die Relevanz philosophischer Positionen in konkreten Lebenskontexten.

Das Unterrichtsmaterial zu Rebecca Horn ermöglicht eine fundierte Auseinandersetzung mit der Verbindung von Körper, Technik und Raum. Mit Texten, Stationenlernen, didaktischen Hinweisen und Aufgaben fördert es Analysefähigkeit und kreatives Denken im Kunstunterricht der Sekundarstufe II. Das 41-seitige Unterrichtsmaterial „Rebecca Horn: Kunst im Dialog von Körper und Technik“ bietet Lehrkräften im Fach Kunst eine fundierte Grundlage zur Vermittlung einer der bedeutendsten zeitgenössischen Künstlerinnen im Oberstufenunterricht. Im Zentrum steht Rebecca Horns intermediales Werk, das Körper, Bewegung, Mechanik und Raum zu einem poetischen wie technologischen Gesamtausdruck vereint. Die acht thematisch aufbereiteten Texte stellen zentrale Werke, biografische Hintergründe sowie kunst- und medientheoretische Bezüge vor. Das ergänzende Stationenlernen eröffnet Lernenden eigenständige Zugänge zu Horns performativen Objekten, installativen Arbeiten und filmischen Inszenierungen. Didaktische Hinweise, methodische Tipps sowie Multiple-Choice-Fragen zur Lernstandsüberprüfung erleichtern die Planung und Umsetzung im Unterricht. Zusammenfassungen bieten Schülerinnen und Schülern eine prägnante Ergebnissicherung für die Weiterarbeit oder Prüfungsvorbereitung. Das Material unterstützt Lehrpersonen bei der Gestaltung eines kompetenzorientierten, differenzierten und medienreflexiven Kunstunterrichts. Es fördert ästhetische Urteilskompetenz und regt zur kreativen Auseinandersetzung mit den Wechselwirkungen von Mensch, Technik und künstlerischem Ausdruck an – sowohl im Kontext der Gegenwartskunst als auch im interdisziplinären Lernumfeld.

Erkunden Sie mit Ihren Schülerinnen und Schüler die faszinierende Schnittstelle zwischen Architektur und Kunst. Diese Unterrichtsreihe fördert kreative Raumwahrnehmung und vermittelt zentrale Gestaltungsprinzipien. Die Unterrichtsreihe „Raum – Zwischen Architektur und Kunst“ eröffnet Lernenden der Sekundarstufe II einen spannenden Zugang zur künstlerischen Auseinandersetzung mit Raum und Architektur. Im Zentrum steht die Frage, wie Raum als künstlerisches Ausdrucksmittel gestaltet, erlebt und reflektiert werden kann. Anhand bedeutender Positionen aus Kunstgeschichte, Architekturtheorie und zeitgenössischer Raumkunst analysieren die Schüler zentrale Prinzipien wie Maßstab, Perspektive, Lichtführung, Materialität und Funktion. Gestalterische Aufgaben fordern zur kreativen Auseinandersetzung auf – beispielsweise durch Modellbau, Collage, digitale Raumkonzepte oder performative Rauminszenierungen. Besonderes Augenmerk gilt der Wechselwirkung zwischen gebautem Raum und individueller oder kollektiver Wahrnehmung. Die Schülerinnen und Schüler reflektieren, wie Raum auf Menschen wirkt und wie dieser gezielt gestaltet werden kann, um bestimmte Wirkungen zu erzielen – etwa Offenheit, Enge, Bewegung oder Struktur. Die 52-seitige Unterrichtsreihe ist kompetenzorientiert aufgebaut, berücksichtigt methodische Vielfalt (Analyse, Diskussion, kreative Umsetzung) und lässt sich sowohl interdisziplinär als auch im Rahmen fächerübergreifender Projekte einsetzen. Auch außerschulisches Lernen – etwa durch Museums- oder Architekturbesuche – kann eingebunden werden.