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Diese Unterrichtsreihe vermittelt den kreativen Umgang mit gebrauchsgrafischen Mitteln und fotografischen Ausdrucksformen – von Werbung bis Plakatkunst. Die Unterrichtsreihe „Gebrauchsgrafik & Fotografie“ bietet einen praxisnahen Zugang zu visueller Kommunikation im Spannungsfeld von Funktionalität und Kunst. Im Fokus stehen Plakatgestaltung, Layout, Typografie, Komposition und der gezielte Einsatz von Fotografie zur Bildaussage. Schülerinnen und Schüler analysieren historische und zeitgenössische Werbekampagnen, politische Plakate, Infografiken und künstlerische Collagen. Dabei reflektieren sie Gestaltungsprinzipien, visuelle Rhetorik und die Wirkung von Bild-Text-Kombinationen. In gestalterischen Aufgaben entwerfen die Lernenden eigene Kampagnen, Plakate oder Social-Media-Grafiken – analog oder digital. Dabei setzen sie sich mit gesellschaftlichen Themen auseinander und erproben die Wirkung ihrer gestalterischen Entscheidungen. Die 52-seitige Reihe stärkt medienästhetische Bildung, Kommunikationsfähigkeit und gestalterische Praxis – auch für die berufliche Orientierung im Bereich Design, Werbung oder digitale Medien.

Von Rembrandt bis Cindy Sherman: Diese Unterrichtsreihe untersucht Strategien der Selbstdarstellung in der Kunst – mit praktischen Aufgaben zur eigenen Bildinszenierung. Die Unterrichtsreihe „Selbstpräsentation in der Kunst“ thematisiert, wie Künstler sich selbst inszenieren, ihre Identität verhandeln oder bewusst Rollen spielen. Im Fokus stehen Werke von Rembrandt, Frida Kahlo, Egon Schiele, Cindy Sherman, Tracey Emin oder Instagram-Künstlern. Die Schülerinnen und Schüler analysieren Selbstbildnisse und Performances unter Aspekten wie Komposition, Symbolik, Körpersprache, Mimik und Kontext. Dabei wird reflektiert, wie sich die Darstellung des Selbst über Epochen, Medien und Gesellschaften hinweg gewandelt hat – von Repräsentation über Provokation bis zur digitalen Selbstoptimierung. In praktischen Aufgaben setzen sich die Lernenden selbst in Szene – mit Foto, Zeichnung, Collage oder digitalen Mitteln. Diese Selbstdarstellungen werden in Beziehung zu kunsthistorischen Beispielen gesetzt und kritisch besprochen. Die 47-seitige Reihe fördert ästhetisches Urteilsvermögen, Ausdrucksfähigkeit und persönliche Reflexion – auch im Hinblick auf soziale Medien und Bildpolitik.

Diese Unterrichtsreihe untersucht Fotografie als künstlerisches Medium – mit praktischen Bildgestaltungen, Analyse von Fotografenwerken und Reflexion über Bildwirkung. Die Unterrichtsreihe „Fotografie als Kunst“ vermittelt Schülerinnen und Schülern der Sek II die Grundlagen künstlerischer Fotografie, Bildanalyse und Bildgestaltung. Ausgangspunkt ist die Auseinandersetzung mit der Geschichte der Fotografie und der Entwicklung hin zur eigenständigen Kunstform. Zentrale Themen sind: Komposition, Licht, Schärfe, Perspektive, digitale Bearbeitung und Bildaussage. Die Lernenden analysieren ikonische Werke von Fotografen wie Cindy Sherman, Wolfgang Tillmans oder Andreas Gursky, erarbeiten sich Konzepte der Inszenierung und experimentieren mit eigenen Fotoreihen. Die 50-seitige Unterrichtsreihe fördert Medienkompetenz, gestalterisches Denken und die Fähigkeit zur Reflexion über visuelle Kommunikation in sozialen Medien, Werbung und Reportage. Neben Einzelarbeiten sind Gruppenprojekte, Präsentationen und Portfolios vorgesehen. Ziel ist die Förderung der Bildkompetenz und ein vertieftes Verständnis für künstlerische Strategien im Umgang mit Fotografie als Ausdrucksform im 21. Jahrhundert.

Diese kunsthistorisch fundierte Unterrichtsreihe erschließt die vielfältigen Ausprägungen des Stilllebens und analysiert Werke aus verschiedenen Epochen mit Blick auf Komposition, Symbolik und Technik. In dieser kunsthistorisch fundierten Unterrichtsreihe steht das Stillleben als eigenständige Bildgattung im Fokus. Die Lernenden entdecken seine Entwicklung vom floralen Prunkstück der Renaissance über die vanitasbeladenen Arrangements des Barocks bis hin zu experimentellen, fotografischen oder digitalen Interpretationen im 20. und 21. Jahrhundert. Neben der ikonografischen Analyse (Frucht, Schädel, Uhr, Glas etc.) liegt ein besonderes Augenmerk auf formalen Aspekten: Wie wirken Komposition, Lichtführung, Farbklima und Oberflächenstruktur auf die Rezeption? Welche Bedeutungsverschiebungen entstehen durch Materialwahl oder Kontextänderung? Die 46-seitige Reihe bietet zahlreiche Möglichkeiten zur gestalterischen Umsetzung: Schülerinnen und Schüler erstellen klassische Stilllebenzeichnungen, digitale Collagen, Mixed-Media-Arbeiten oder thematische Objektinszenierungen im Raum. Reflektiert werden dabei nicht nur technische Fertigkeiten, sondern auch die Wirkung, Intention und kulturelle Einbettung der jeweiligen Darstellung.

Wie beeinflussen Werbung und soziale Medien unsere Wahrnehmung? Diese Unterrichtsreihe sensibilisiert für Bildmanipulation und vermittelt Gestaltungskompetenz im Umgang mit Medien. Die 49-seitige Unterrichtsreihe „Manipulation in Bildmedien“ befähigt Schülerinnen und Schüler dazu, die visuelle Macht von Werbung und sozialen Medien kritisch zu hinterfragen. Durch die Analyse von Bildstrategien in kommerziellen Kampagnen, Influencer-Marketing und digitalen Plattformen erkennen die Lernenden, wie gezielt Emotionen erzeugt, Einstellungen beeinflusst und Wirklichkeiten konstruiert werden. Ein zentrales Thema der Reihe ist die Bildbearbeitung: Welche gestalterischen Mittel wie Retusche, Farbfilter, Komposition, Symbolik oder Typografie werden genutzt, um bestimmte Wirkungen zu erzeugen? In praktischen Aufgaben gestalten die Lernenden eigene Werbemotive oder Social-Media-Beiträge, setzen dabei gezielt manipulative Mittel ein – und reflektieren diese im Nachgang kritisch. Medienpädagogisch fundiert und methodisch abwechslungsreich aufgebaut, fördert die Reihe sowohl Medienkritik als auch kreative Mediengestaltung. Sie eignet sich insbesondere für interdisziplinäre Zugänge in Kunst, Politik, Ethik oder Deutsch.

Proportion, Ausdruck, Anatomie: Diese Unterrichtsreihe zeigt anhand kunsthistorischer Werke, wie der menschliche Körper in der Kunst dargestellt und interpretiert wird. In der Unterrichtsreihe „Körper in der Kunst“ steht die Auseinandersetzung mit der Darstellung des menschlichen Körpers im Mittelpunkt – von idealisierten Formen der Antike bis hin zu expressiven Verfremdungen in der Gegenwartskunst. Die Schülerinnen und Schüler analysieren Werke verschiedenster Epochen im Hinblick auf Aufbau, Haltung, Dynamik, Symbolik und gesellschaftliche Ideale. Die Lernenden erarbeiten sich Grundlagenwissen zur menschlichen Anatomie sowie zu Proportionssystemen (z. B. Kanon des Polyklet oder der goldene Schnitt). Sie untersuchen, wie sich Bildmittel wie Licht, Farbe, Linie oder Komposition auf die Wirkung des Körpers auswirken. Ergänzt wird der analytische Zugang durch eigene praktische Gestaltungen, wie Zeichnungen, Skulpturen oder digitale Körperstudien. Die 47-seitige Reihe legt einen besonderen Schwerpunkt auf interkulturelle Vergleiche und die Reflexion von Körperbildern im Wandel – auch unter Genderaspekten, medialer Einflussnahme oder Körpernormen im digitalen Raum. Durch einen ästhetisch-forschenden Zugang lernen die Lernenden den Körper nicht nur als Motiv, sondern als Träger von Bedeutung, Emotion und gesellschaftlichem Diskurs zu begreifen.

Diese Unterrichtsreihe bietet einen fundierten Überblick über die Entwicklung des Utilitarismus – von Bentham bis Singer – und ermöglicht eine kritische Auseinandersetzung mit ethischen Positionen. Diese 47-seitige Unterrichtsreihe vermittelt grundlegende Kenntnisse über den Utilitarismus als bedeutende ethische Theorie. Sie beginnt mit Jeremy Benthams hedonistischem Prinzip des größtmöglichen Glücks der größtmöglichen Zahl und analysiert die Weiterentwicklung bei John Stuart Mill, der qualitative Unterschiede von Lust und eine stärkere Einbettung in gesellschaftliche Kontexte betont. Abschließend steht Peter Singer im Fokus, dessen Präferenzutilitarismus aktuelle bioethische Debatten beeinflusst. Neben der historischen Entwicklung legt die Unterrichtsreihe großen Wert auf die Anwendung des Utilitarismus auf aktuelle moralische Herausforderungen: Dürfen Tiere für den Menschen leiden? Wie wird Ressourcenverteilung in einer gerechten Gesellschaft gestaltet? Und wie kann eine utilitaristische Perspektive auf Klimaschutz oder Pandemiebekämpfung angewandt werden? Die Reihe kombiniert theoretische Textarbeit mit problemorientierten Fallanalysen, strukturierten Debatten und schriftlichen Reflexionsaufgaben. Die Schülerinnen und Schüler üben sich in ethischem Argumentieren, lernen Bewertungen methodisch zu begründen und entwickeln ein Verständnis für die Relevanz philosophischer Positionen in konkreten Lebenskontexten.

Das Unterrichtsmaterial zu Rebecca Horn ermöglicht eine fundierte Auseinandersetzung mit der Verbindung von Körper, Technik und Raum. Mit Texten, Stationenlernen, didaktischen Hinweisen und Aufgaben fördert es Analysefähigkeit und kreatives Denken im Kunstunterricht der Sekundarstufe II. Das 41-seitige Unterrichtsmaterial „Rebecca Horn: Kunst im Dialog von Körper und Technik“ bietet Lehrkräften im Fach Kunst eine fundierte Grundlage zur Vermittlung einer der bedeutendsten zeitgenössischen Künstlerinnen im Oberstufenunterricht. Im Zentrum steht Rebecca Horns intermediales Werk, das Körper, Bewegung, Mechanik und Raum zu einem poetischen wie technologischen Gesamtausdruck vereint. Die acht thematisch aufbereiteten Texte stellen zentrale Werke, biografische Hintergründe sowie kunst- und medientheoretische Bezüge vor. Das ergänzende Stationenlernen eröffnet Lernenden eigenständige Zugänge zu Horns performativen Objekten, installativen Arbeiten und filmischen Inszenierungen. Didaktische Hinweise, methodische Tipps sowie Multiple-Choice-Fragen zur Lernstandsüberprüfung erleichtern die Planung und Umsetzung im Unterricht. Zusammenfassungen bieten Schülerinnen und Schülern eine prägnante Ergebnissicherung für die Weiterarbeit oder Prüfungsvorbereitung. Das Material unterstützt Lehrpersonen bei der Gestaltung eines kompetenzorientierten, differenzierten und medienreflexiven Kunstunterrichts. Es fördert ästhetische Urteilskompetenz und regt zur kreativen Auseinandersetzung mit den Wechselwirkungen von Mensch, Technik und künstlerischem Ausdruck an – sowohl im Kontext der Gegenwartskunst als auch im interdisziplinären Lernumfeld.

Erkunden Sie mit Ihren Schülerinnen und Schüler die faszinierende Schnittstelle zwischen Architektur und Kunst. Diese Unterrichtsreihe fördert kreative Raumwahrnehmung und vermittelt zentrale Gestaltungsprinzipien. Die Unterrichtsreihe „Raum – Zwischen Architektur und Kunst“ eröffnet Lernenden der Sekundarstufe II einen spannenden Zugang zur künstlerischen Auseinandersetzung mit Raum und Architektur. Im Zentrum steht die Frage, wie Raum als künstlerisches Ausdrucksmittel gestaltet, erlebt und reflektiert werden kann. Anhand bedeutender Positionen aus Kunstgeschichte, Architekturtheorie und zeitgenössischer Raumkunst analysieren die Schüler zentrale Prinzipien wie Maßstab, Perspektive, Lichtführung, Materialität und Funktion. Gestalterische Aufgaben fordern zur kreativen Auseinandersetzung auf – beispielsweise durch Modellbau, Collage, digitale Raumkonzepte oder performative Rauminszenierungen. Besonderes Augenmerk gilt der Wechselwirkung zwischen gebautem Raum und individueller oder kollektiver Wahrnehmung. Die Schülerinnen und Schüler reflektieren, wie Raum auf Menschen wirkt und wie dieser gezielt gestaltet werden kann, um bestimmte Wirkungen zu erzielen – etwa Offenheit, Enge, Bewegung oder Struktur. Die 52-seitige Unterrichtsreihe ist kompetenzorientiert aufgebaut, berücksichtigt methodische Vielfalt (Analyse, Diskussion, kreative Umsetzung) und lässt sich sowohl interdisziplinär als auch im Rahmen fächerübergreifender Projekte einsetzen. Auch außerschulisches Lernen – etwa durch Museums- oder Architekturbesuche – kann eingebunden werden.

Dieses Unterrichtsmaterial ermöglicht eine fundierte Auseinandersetzung mit Édouard Manets Werk im Spannungsfeld zwischen künstlerischer Innovation und gesellschaftlicher Provokation – mit Texten, Stationenlernen, didaktischer Aufbereitung und Aufgaben für die Sekundarstufe II. Das 38-seitige Unterrichtsmaterial „Édouard Manet: Künstlerische Wirklichkeit und Gesellschaftskritik“ richtet sich an Lehrkräfte im Fach Kunst, die in der gymnasialen Oberstufe eine vertiefende und multiperspektivische Auseinandersetzung mit einem der einflussreichsten Wegbereiter der Moderne ermöglichen möchten. Im Mittelpunkt steht Manets radikale Bildsprache, die traditionelle Malereikonventionen infrage stellt und zugleich als Spiegel gesellschaftlicher Spannungen im Frankreich des 19. Jahrhunderts verstanden werden kann. Die Materialien umfassen acht differenziert strukturierte Texte zu Leben, Werk und Rezeption Édouard Manets. Das enthaltene Stationenlernen bietet Lernenden vielfältige Zugänge zu zentralen Werken wie „Olympia“ oder „Das Frühstück im Grünen“ – sowohl auf bildanalytischer als auch auf gesellschaftskritischer Ebene. Didaktische Hinweise und konkrete Umsetzungsvorschläge unterstützen Lehrpersonen bei der Integration in den Unterrichtsverlauf. Multiple-Choice-Fragen dienen der Wissensüberprüfung, zusammenfassende Übersichten erleichtern Schülerinnen und Schülern die Sicherung zentraler Inhalte. Das Material fördert die Bildkompetenz, das historische Urteilsvermögen sowie das kritische Verständnis künstlerischer Strategien im gesellschaftlichen Kontext. Es ist ideal für kompetenzorientierten, differenzierten und methodisch abwechslungsreichen Kunstunterricht in der Sekundarstufe II geeignet.

Das Unterrichtsmaterial zu Lynette Yiadom-Boakye ermöglicht eine vertiefte Auseinandersetzung mit zeitgenössischer Porträtmalerei. Stationenlernen, Texte und Aufgaben fördern die Bildkompetenz und das kunsttheoretische Verständnis von Schülerinnen und Schülern. Das 38-seitige Unterrichtsmaterial „Lynette Yiadom-Boakye“ bietet Lehrkräften eine umfassende Grundlage zur Thematisierung zeitgenössischer Malerei im Kunstunterricht der Sekundarstufe II. Im Zentrum steht das Werk der britisch-ghanaischen Künstlerin, das sich durch expressive Bildsprache, fiktive Porträts und gesellschaftlich relevante Fragestellungen auszeichnet. Die Materialien umfassen acht inhaltlich strukturierte Texte, die Leben, Technik, Thematik und Bedeutung der Künstlerin nachvollziehbar aufbereiten. Ein begleitendes Stationenlernen mit differenzierten Aufgabenstellungen ermöglicht es Lernenden, sich eigenständig und reflektiert mit zentralen Werken Yiadom-Boakyes auseinanderzusetzen. Ergänzend bietet das Material didaktische Hinweise zur Unterrichtsplanung, praktische Tipps für die Umsetzung sowie Multiple-Choice-Fragen zur Lernkontrolle. Zusammenfassungen für Schülerinnen und Schüler erleichtern die Ergebnissicherung und Prüfungsvorbereitung. Das Produkt eignet sich ideal für kunstpädagogische Kontexte, in denen Bildanalyse, Identitätskonstruktion und Diversität im Zentrum stehen. Es unterstützt Lehrpersonen bei der Vermittlung von Bildkompetenz, kunstgeschichtlicher Kontextualisierung und gestalterisch-reflexivem Arbeiten im Unterricht.